La Galerie des Offices, à Florence, est l'un des musées les plus extraordinaires du monde. Nous avons publié divers articles sur la galerie elle-même, des conseils pour la visiter et des listes de chef-d'oeuvre dans les collections. Cependant, il y a aussi des œuvres spécifiques de la collection qui méritent plus de considération. Une de ces oeuvres est "Judith décapitant Holopherne" d'Artemisia Gentileschi. Une des rares femmes peintres de son temps, une artiste talentueuse et une personne fascinante. Cette figure intrigante et souvent négligée a produit ce travail intimement lié à son histoire de vie. Il suffit de trouver une location de vacances à Florence, pour visiter la galerie et admirer cette oeuvre d'art, âmes sensibles s'abstenir.
"Judith décapitant Holopherne" a été achevée entre 1614 et 1620 puis une seconde version (celle qui se trouve actuellement dans les Offices) a été réalisée entre 1620 et 1621. Elle représente la figure biblique de Judith, en train de décapiter Holopherne. Une histoire du livre de Judith dans l'Ancien Testament, il raconte l'histoire de l'assassinat du général assyrien Holopherne aux mains de la jeune veuve israélite Judith. Après avoir pénétré dans le camp ennemi et dans la tente de Holopherne, elle a tué le tyran endormi, sauvant sa ville de Béthulie.
C'est une scène commune dans l'art depuis le début de la Renaissance, encore populaire dans l'art baroque et elle avait été peinte par Caravaggio, Giorgione, Titien, Rembrandt et Peter Paul Rubens auparavant, mais jamais comme ça. Dans les représentations d'autres artistes, la décapitation est une chose facile et méthodique, mais dans l'œuvre de Gentileschi, c'est une chose physique et brutale. Une servante aide à tenir Holopherne pendant qu'il se débat et que Judith essaie de le décapiter. Le sang jaillit de sa blessure et les deux femmes froncent les sourcils et se tendent dans leurs efforts. Les deux femmes sont petites par rapport à Holofernes.
Il y a une bonne raison à cette brutalité: Judith est dessinée sur le modèle de la peinture. Son compatriote, Agostino Tassi, qui a été jugé en justice pour son viol, est représenté dans la figure d'Holopherne. La biographe de Gentileschi, Mary Garrard, suggère que la pièce constituait «une expression cathartique de la rage de l'artiste».
Lu sous cette perspective, ce travail est devenu une pièce maîtresse dans l'histoire de l'art féministe et prend une note beaucoup plus émotionnelle. Artemisia a riposté et a récupéré sa vie après ce qui lui est arrivé, elle a refusé de le laisser la ruiner; ce travail reflète cela. Elle a continué à devenir l'une des artistes les plus progressistes et expressives de sa génération. Elle est maintenant reconnue comme l'artiste importante qu'elle était, plutôt que comme une histoire tragique dans l'histoire de l'art.
C'est une scène commune dans l'art depuis le début de la Renaissance, encore populaire dans l'art baroque et elle avait été peinte par Caravaggio, Giorgione, Titien, Rembrandt et Peter Paul Rubens auparavant, mais jamais comme ça. Dans les représentations d'autres artistes, la décapitation est une chose facile et méthodique, mais dans l'œuvre de Gentileschi, c'est une chose physique et brutale. Une servante aide à tenir Holopherne pendant qu'il se débat et que Judith essaie de le décapiter. Le sang jaillit de sa blessure et les deux femmes froncent les sourcils et se tendent dans leurs efforts. Les deux femmes sont petites par rapport à Holofernes.
Il y a une bonne raison à cette brutalité: Judith est dessinée sur le modèle de la peinture. Son compatriote, Agostino Tassi, qui a été jugé en justice pour son viol, est représenté dans la figure d'Holopherne. La biographe de Gentileschi, Mary Garrard, suggère que la pièce constituait «une expression cathartique de la rage de l'artiste».
Lu sous cette perspective, ce travail est devenu une pièce maîtresse dans l'histoire de l'art féministe et prend une note beaucoup plus émotionnelle. Artemisia a riposté et a récupéré sa vie après ce qui lui est arrivé, elle a refusé de le laisser la ruiner; ce travail reflète cela. Elle a continué à devenir l'une des artistes les plus progressistes et expressives de sa génération. Elle est maintenant reconnue comme l'artiste importante qu'elle était, plutôt que comme une histoire tragique dans l'histoire de l'art.
